‘Advertising from the Mad Men era‘ es un conjunto de dos libros de gran formato que guardan la esencia publicitaria de los 50 y los 60 en EE UU que tanto han inspirado y basado la intachable Mad Men. En dos tomos diferenciados por el turquesa (The Fifties) y el rojo (The Sixties) vienen a ser un repositorio de anuncios y campañas publicitarias de papel perfectamente conservadas, pero no solo eso, además están contextualizadas y explicadas en texto según el momento sociopolítico de la década por la que atravesaban.

En plena era de la Revolución Creativa y el boom de los años de oro de la publicidad, después de medio siglo de historia vemos como la sociedad norteamericana se quedó registrada en la publicidad del momento, en unos productos y piezas publicitarias que tras más de 60 años seguimos percibiendo como referentes de máximo cuidado y cenit estilístico, que clasificamos en nuestros días contemporáneos bajo la palabra “vintage”.

¿Qué pasaría si colocáramos un trozo de carne roja sobre un fondo rojo? … Intensificó el concepto de la virilidad y del color rojo que intantábamos transmitir en relación a la carne. Leo Burnett, c. 1950

‘Advertising from the Mad Men era‘ no pretende profundizar demasiado en las explicaciones. Se explica solo. Es un libro para observar y que aspira ser observado. Me hubiese gustado encontrar más explicaciones en algunos casos, pero no es su finalidad profundizar más allá de un resumen de lo que ocurrió en cada década del mundo de la publicidad estadounidense. En 1950 se vivía en un mundo de hombres, pero las mujeres comenzaban a cobrar cada vez más relevancia en la sociedad. Relevancia que se forjó en cambios sociales y quedó escrita en la publicidad de aquella época.

El Hombre Marlboro, una de las historias que guarda el libro

Una de las historias más impresionates en la historia de la publicidad es el tabaco, uno de los pilares de Mad Men. Alrededor de los 50 comenzaban a aparecer los primeros estudios sobre los posibles efectos perjudiciales del tabaco, a lo que la industria respondió por un doble frente: los cigarros con filtro y una masiva publicidad de refuerzo de valores en la que fumar era positivo, placentero y sinónimo de felicidad. Todo el mundo fumaba y estaba más que bien visto. Era un icono estilístico. Sin embargo, la aparición del filtro de tabaco se asoció al poco tiempo a las mujeres, y los cigarros con filtro comenzaron a ser considerados socialmente femeninos. Algunas marcas se centraron en ello, a otras lo que estaba ocurriendo no les hacía gracia. Por aquél entonces, Philip Morris tenía creado desde 1924 Marlboro, unos cigarrillos para mujeres. Tras la Segunda Guerra Mundial, Marlboro buscaba reinventarse, querían revitlizar su marca.

Fue en 1954 cuando uno de los puntos de inflexión en la publicidad, y por ende, en la sociedad norteamericana, estaba a punto de suceder. Leo Burnett creaba el Hombre Marlboro, una campaña cuyo objetivo era identificar el cigarro con filtro como algo masculino y reconducir Marlboro hacia una marca de tabaco para hombres vendiendo durante décadas un incesante concepto: virilidad.

Hasta 1999 duró la campaña del Hombre Marlboro, consiguiendo impresionantes beneficios e impacto sobre la marca y cambiando en cuestión de pocos meses después de su lanzamiento todo el target comercial que la consumía. El Hombre Marlboro fue considerado la primera persona de una lista de las 101 personas más influyentes que nunca han vivido. Esta es únicamente una de las historias que el libro inicia…

En definitiva, ‘Advertising from the Mad Men era’ es una buena compra. De esas que merece la pena tener en casa si te llama el mundo de la publicidad y quieres conservar los primeros pasos de una revolución creativa que cambiaría la sociedad mediante las ideas de un grupo de hombres de Madison Avenue y unas marcas que buscaban llegar al público hasta que se quedaron en una historia socioeconómica que, aún a día de hoy, permanece vigente.

‘Advertising from the Mad Men era‘ está editado por Taschen y cuesta sobre 38 euros.

Desde hace un año aproximadamente, se habla cada vez más y con mayor fuerza, de Smart TV, televisión conectada, televisión inteligente. Pero la conversación está virando, y no tan lentamente cómo parece. Los aspectos fundamentales y claves en la decisión de compra de un televisor en el consumidor español continúan siendo el tamaño y las características técnicas. Poco a poco se ha ido asumiendo cómo básico que los televisores deben tener entrada de internet (y/o wifi), deben ser LED o LCD, y tener entradas HDMI, DVI, VGA, … de igual manera que en el pasado asumíamos como básico que un televisor tuviese entrada de Euroconector.

Ahora todo está orbitando en torno a la conexión a internet. La tele ya es interactiva definitivamente y el canal de retorno queda completamente implantado en una conexión de alta velocidad en la que el mercado competitivo es tan abierto cómo lo que pueda ofrecerte internet. Sin embargo, cuando hablamos de televisión hoy, seguimos hablando de un mercado de masas. Cuando hablamos de internet, tenemos claro que es un medio masivo, pero tremendamente segmentado en cada conexión y aún más en cuánto a consumo audiovisual.

Es entonces cuándo, en una televisión con una barbaridad de posibilidades, la pregunta a subrayar en torno al aparato es ¿voy a querer un proyector/monitor o un motor de entretenimiento?

Las nuevas tendencias de consumo audiovisual

Muchos somos los que hace años fuimos dejando la televisión convencional bastante de lado, principalmente por el arcaísmo del medio, en el fondo enclavado en férreos formatos de entretenimiento audiovisual que hoy sólo representan una opción más en el universo audiovisual en el que se encuentran. Programas de 60 minutos, directos planteados para rellenar tiempos, contenidos tematizados pero planteados para una masa de espectadores común pero heterogénea, guerras de competencia, parrillas programáticas… por supuesto, hablo de televisión en abierto. Encender y sentarte a ver.

En este sentido, el televisor para un espectador que busca esta experiencia seguirá siendo un proyector convencional, regido por programadores de la industria televisiva convencional.

La competencia de las cadenas de televisión en abierto ya no se limita a las grandes de la TDT. Ahora son Youtube y Vimeo. La competencia de las televisores temáticas de pago es Youzee, Filmin, Wuaki (cuando sean mucho más conocidas y arranquen con gran fuerza), iTunes, Megaupload, Megavideo y todas las producciones y programas independientes tipo Malviviendo.

El espectador siempre fue raro. Y cada vez lo es más.

Televisión es lo que te apetece. No es una obligación. Es un placer. La realidad es que si me apetece ver contenido sobre ski, quizás las última opción que me plantee sea buscar un programa o reportaje que me hable sobre ello en televisión en abierto, e incluso en televisión de pago (un Extreme Sports Channel o Eurosport 2, por ejemplo). Cuándo quiero este tipo de contenido inmediatamente pienso en videos sobre nieve muy bien realizados en Vimeo, luego busco publicaciones que hablen sobre ski, después investigo en Youtube y quizás por último, acabe buscando a ver si hay algo en televisión. Probablemente desde el punto uno de mi ruta de búsqueda, ya esté saciado.

Estas ya son palabras muy antiguas y no estoy contando nada nuevo. La realidad es que hemos llegado a ese punto en el que ya hay contenido audiovisual suficiente. Cualquier productor hoy tiene cabida en cualquier parte del mundo y los límites no están marcados por la tecnología, si no por la creatividad y en segunda barrera, por el idioma.

¿Hacia dónde debería focalizarse la televisión inteligente?

El consumo audiovisual inteligente, para mí, debería estar centrado en un motor de entretenimiento personalizado para audiovisual. Smart TV te ofrece acceso a todo, pero no se trata sobre una cuestión de acceso al contenido, si no de conocimiento y descubrimiento activo sin llegar al peligroso punto de abrumar al espectador.

No he probado aún Google TV, pero quizás el hecho del “todo aquí” llegue a abrumarme en su experiencia televisiva. Es cómo cuando entras en Google y buscas “ski” y te salen aproximadamente 429.000.000 resultados. De la página dos no voy a pasar. ¿Me estoy perdiendo algo realmente que me interese? Tengo acceso a todos los videos, pero me encuentro incapaz de clasificar entre lo que me resulta útil y lo que no. Debo conformarme con “si me quedo audiovisualmente saciado” o “no encontré todo lo que busco”.

Para mí Smart TV no se trata de que me den acceso a todo el contenido. Es algo que debo dar por hecho en esta era audiovisual, sea la modalidad que sea (VOD, suscripción tipo Netflix, pago individual, acceso gratuito, televisión a la carta, directo). El verdadero valor de la televisión inteligente es el conocimiento del espectador y saber sugerirle y ofrecerle contenido de forma directa y útil, sin prisas ni agobios de ventanas de explotación, targetizado, adecuado al momento y estado de ánimo, así como a los gustos individuales.

Una televisión inteligente no debe ser un proyector/monitor del contenido elegido. Debe ser algo más que eso. Ir más allá de una puerta abierta. Un compañero de experiencia con posibilidades casi infinitas y sin barreras que le apetezcan al espectador. En el fondo, no deja de ser otro consumo de internet.

En otros medios tradicionales, como la televisión, por desgracia no es un valor seguro. En internet, cuanto más creativo es un video, mejor suele funcionar. El no estar sujeto a formatos cerrados, presiones publicitarias o imposiciones de medio pueden ser algunos factores por los que la creatividad audiovisual se desarrolla especialmente más y mejor en el video online, con unos costes razonables y una interesante respuesta por parte de la audiencia.

¿Es posible que Google / Youtube quiera potenciar este aspecto por encima del contenido? Puede que esta sea la tendencia actual. Low cost (y no tan low cost), pero sobre todo, creatividad sobre el formato y contenido. Esta pista de Rush Smith, procedente de YouTube NextUp, podría ser un argumento a favor de esta afirmación, entre todas las cosas por las que YouTube podría apostar:

Una posible tendencia que parece tener vistas de futuro y que podía haber comenzado con todo el fenómeno OK Go, desde “Here It Goes Again” y todos sus videoclips:

La semana pasada estrenamos en WSL uno de los proyectos que más ilusión nos hacen: 1001 Experiencias. Es un proyecto para L’Oreal Men Expert, con objetivo hombres entre 25-35 y destinado a contar experiencias que por algún motivo, merece la pena vivir. Perderse en el Atlántico, vivir una noche de desenfreno en Las Vegas, que se siente al saltar en paracaídas, al surfear con un longboard o la libertad de recorrerte toda la costa española en un Cabrio son algunas de las experiencias con las que hemos arrancado este nuevo proyecto.

Una de las partes más destacadas de este proyecto en el que participo como editor y realizador, es la presencia audiovisual. Qué mejor forma de sentir una experiencia que viviéndola en primera persona y aquí es dónde el formato audiovisual juega su mejor carta, en un marco donde una de las tendencias publicitarias online con mayor crecimiento en los últimos meses está realizando cada vez más una apuesta en firme por el branded content de toda la vida, pero basado en la amplia libertad editorial y de nicho que es capaz de ofrecer internet y una publicación de este estilo, relacionando la marca con un contenido atractivo per se, agradablemente yin y apeteciblemente frambuesa, como diría Daniel Solana en su recomendado libro ‘Postpublicidad’.

Un contenido que no trata sobre los productos de la marca, y por lo tanto no es percibido como una agresiva e intrusiva campaña de venta frente al espectador, si no que aporta una utilidad y cobra un sentido en torno a la experiencia informativa y entretenida de buscar un plan que vivir en algún momento.

Hemos arrancado Octubre con Nacho Caribbean y la experiencia del longboard. Además de cada artículo en texto, cada mes tendremos nueva producción y sensaciones que vivir a 25 fotogramas por segundo.

El fin. Es una palabra que tiene las mismas posibilidades de tener connotación positiva y negativa al mismo tiempo. En mi caso es positiva, aunque lo que venga a contar hoy no parezca positivo para mucha gente.

Por suerte o por desgracia, he formado parte (y sigo formando, que todavía no me he muerto) de la generación audivisual a la que le ha tocado el gran cambio. Las cadenas cierran, los contratos basura, el triunfo del contenido mediocre… se le podrán poner muchas pegas a este artículo, pero aún recuerdo cuando muchos éramos estudiantes en primero de Comunicación Audiovisual (he dicho “éramos”… Dios, recuerdo esto como si fuera la semana pasada y han pasado seis años y miles de experiencias desde entonces…) creíamos en la falsa esperanza de que cuando acabásemos llegaría la TDT con decenas de cadenas nuevas en las que una gran mayoría de nosotros podríamos encontrar un trabajo digno y estable en la pequeña pantalla. Porque habría nuevos puestos de trabajo.

La realidad fue muy contraria. El reparto de cadenas fue a parar a los grandes grupos de comunicación y la heterogeneidad audiovisual se quedó en ciernes. Así como los puestos de trabajo, porque nos encontrámos con ese personaje dramático como él sólo, al que apodamos La Crisis.

Dentro del sector audiovisual, La Crisis se convirtió en La Parca y comenzó a cortar presupuestos justo cuando la pequeña industria del entretenimiento catódico comenzaba potencialmente a cobrar más interés que nunca.

He tenido la casual suerte de no vivir nunca la cancelación de un programa, aunque mis compañeros de Canal Sur acaban de vivirlo tras 10 años en antena. Para muchos de ellos fue su primer trabajo tras salir de la Universidad. Eso corresponde a entre 1/3 y 1/4 del total de una vida profesional desarrollada aquí:

Sin embargo, he vivido algo más triste. O más emocionante. El ser fichado para el equipo de una cadena nacional y ver cómo el proyecto cierra, casi de la noche a la mañana. Me refiero a Veo Televisión, lo que iba a ser la gran apuesta audiovisual del reputado periódico El Mundo y en mayor escala, del grupo de comunicación Unidad Editorial (EM, Marca, Telva, Yo Dona, Expansión, entre muchas otras más cosas). Aspiraban a ser una de las networks de España y contaban con un motor lo suficientemente potente como para conseguirlo, al menos a nivel informativo.

Pero a ese motor, en lugar de echarle gasolina, los responsables máximos decidieron echarle agua. De esta manera los altos cargos podrían seguir siendo muy altos, y el equipo necesario para mover el coche lo empujaría hasta que arrancase. Pero el combustible era agua. Y se veía que no iba a arrancar. Apostaron por hacer prensa televisada, radio televisada y televisión que quizás hubiese triunfado hace 15 años. Formaron parte de ese grupo de personas que no quisieron confiar en el nuevo modelo audiovisual, escuchar las nuevas voces, y los únicos votos de confianza que emitían eran hacia sus jefes de sección, redactores jefe, directores de opinión y demás cargos de alto nivel.

En la historia de Veo Televisión, perfectamente resumida por Panorama Audiovisual, se relatan desde los inicios de los primeros informativos de la TDT hasta el fichaje del supuesto salvador de la cadena, Ernesto Sáenz de Buruaga, del que se llegó a hablar de un contrato de 600.000 euros anuales. Sin llegar al año de antigüedad, hundió el barco hasta que tocó fondo con su estrategia audiovisual.

Tras todo esto, la impresión que me llevo es de tristeza. De ver cómo un grupo de comunicación que ha llegado tan lejos, lo hizo tan mal en televisión, y pudo derrochar tantos millones de euros en una cadena que no levantó más de un 0.9% de audiencia en sus mejores épocas por aferrarse a un equipo directivo y filosofía de contenido francamente pasado de rosca, y un poco borrachos de burocracia. Mientras tanto, otras personas con el trabajo de un simple post en su blog o un video pidiéndo una hamburguesa en un McAuto consiguen en muy poco tiempo y por muy poco dinero, entretener e informar mientras son vistos por millones de personas. El primer objetivo de la televisión mass media. La imagen una balanza con ambas situaciones es realmente impresionante.

Tristeza al ver cómo 70 compañeros se iban a la calle de un viernes a un lunes, y más tarde nos íbamos unos 110 técnicos. Un 70% de ellos, en prácticas o becarios. Gente licenciada hace entre dos y cuatro años que tras haber pasado por unas cuántas productoras y teles, y tantear cómo pinta el futuro de este medio desde dentro, decide dejar atrás haber estudiado Comunicación Audiovisual o Periodismo, acompañado en la mayoría de los casos por un Máster en Producción Audiovisual o similar; y dedicar su vida por completo a algo completamente distinto. Compañeros con los que compartes, como mínimo, ocho horas diarias de tu vida. Muchos de ellos acaban siendo personas cercanas a tí.

Dejar atrás unos 6 años de formación, aproximadamente. Esto es una decisión lo suficientemente triste e importante como para prestarle atención cuando se repite en mucha gente joven que quiere dedicarse a la televisión. Muchos de mis compañeros de Veo decidieron dedicarse a comenzar una nueva vida en farmacia, diseño y creación de videojuegos, montar su propio negocio de hostelería, fotografía, oposiciones a policía e incluso negocios de turismo rural.

Sí, podremos decir que esto no es propio del audiovisual y centerares de personas descubren su vocación años más tarde de haber estudiado. Se supone que en primera instancia, decidir invertir cuatro, cinco, seis o siete años de tu vida en formarte para una profesión debería ser la decisión que marque tu vida profesional. Perder la vocación en un mundo tan apasionante y creativo como el audiovisual, justo al inicio de tu vida profesional y después de tanto trabajo y lucha por lo que te apasiona, es francamente triste.

Mi posición frente a todo esto sigue siendo la misma. No pienso perder un sólo minuto en atender formaciones que gastan mi tiempo sin enseñarme nada realmente nuevo y de valor (esta lección se aprende bien en la universidad española). El acceso a la formación internacional es francamente difícil por todos los campos, y más aún si buscas para audiovisuales. Para mí, la pequeña pantalla se va a quedar en standby durante un tiempo, y seguiré dedicándome al audiovisual en su nueva, y cada vez más grande, forma, a la que muchos llamanos ahora WebTV.

Una forma de audiovisual tan nueva, desconocida y apasionante a partes iguales que aún no hay estudios especializados en ello, porque desde la aparición de Youtube hace cinco años aún seguimos investigando el fenómeno. Así que podréis encontrarme como Responsable de video en Weblogs SL, para los que ya había realizado algunos trabajos audiovisuales, aparte de llevar casi dos años como editor en ¡Vaya Tele! y coordinar un equipo de unos 40 videobloggers.

Por cierto, hace seis días alcanzamos las 10M de reproducciones en nuestro canal de Youtube.

Últimamente me estoy centrando mucho en temas de webtv. Siempre me ha interesado y ahora más que nunca, es cuando mucha gente está viendo el potencial del video en internet, en cierta medida porque lleva varios años asentando terreno y muchas cifras comienzan a dar luz verde cada día a más proyectos que hasta ahora estaban en un segundo plano.

Buena parte de este éxito viene dado por la revolución provocada por la forma en que la revolucion iPhone y dispositivos Android han tratado al video, integrándolo como parte de una interfaz útil, agradable y usable en multitud de aplicaciones. La App de Canal Cocina para iPhone es un ejemplo con más de 500.000 descargas y no deja de beber de videos de televisión recortados para la versión web del canal. Ahora están también en móviles, multiplicando lo que era una única ventana de distribución de pago basada en las multidifusiones, por tres.

La webtv no creo que sea el futuro absoluto de la televisión tal y como la conocemos, pero a día de hoy sí podríamos calificarlo como un amplio abanico de formatos nuevos y con un atómico potencial compuestos de un esqueleto diferente y una estructura que los hace especialmente atractivos frente a lo anteriormente conocido como “Televisión: esto es todo lo que hay”.

Una de las temáticas más exitosas en webtv es precisamente la que venimos comentando, la gastronómica. En Weblogs SL estamos experimentando con ello y hemos conseguido dar con claves bastante interesantes en este sentido.

Hace tan sólo cinco años la única forma de cocinar basándote en una “fuente audiovisual” era un programa de televisión. Podría durar hasta más de una hora, ocupando considerables horas de emisión y tiempo dedicado del espectador. El ejemplo más rápido, Arguiñano:

Cinco años más tarde, una receta, por ejemplo de tarta de queso, con una producción bastante cuidada ocupa algo más de 40 segundos; esto son 90 veces menos de lo que ocupaba antes en televisión convencional. Lo primero que cambia significativamente es el canal de distribución, de una emisión convencional en televisión a internet. El resultado es el siguiente:

En este caso, está patrocinada por el canal de web televisión de una marca y lleva campaña de promoción. Este es otro ejemplo en formato webtv, que no llega al minuto y medio de duración y con una estructura de producción mucho más medida:

La evolución es patente y el futuro de video gastronómico es prometedor más en internet que en pantalla tal y como la conocemos. Personalmente, la clave de la evolución en este caso la apuntaría hacia la interactividad con el usuario como gran motor de avance en los próximos años.

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¿Sabías por qué un satélite se mantiene en el mismo lugar en el espacio? ¿Por qué son necesarios, cuánto cuesta fabricar uno o quién se encarga de controlarlos y cómo lo hacen? ¿Sabías que un satélite tiene entre 15 y 20 años de vida? O que las antenas parabólicas miden cerca de tres metros de diámetro… algo grande, aunque nada comparado con el tamaño de la máquina con las placas solares desplegadas, unos 25 metros de largo; y una minucia en relación al peso del satélite: Unas dos toneladas.

Desde hace un tiempo estoy desarrollando una colaboración especial con el blog de DIESL, dedicado al mundo de la actualidad de la televisión por satélite, sobre el funcionamiento tecnológico de todo el sistema que permite hacer posible esta modalidad de transmisión de televisión. Las nociones técnicas las hemos dejado para otro momento y hemos decidido explicar cómo funciona un satélite de televisión desde el lado más curioso y sencillo de la tecnología, para que todos podamos entender cómo y por qué funcionan estas máquinas.

Algunos artículos ya han sido publicados:

• ¿Qué contiene un satélite por dentro?
• Cómo se construye un satélite de televisión
• La historia de los satélites de televisión

Y en ¡Vaya Tele! también hemos explicado cómo recibimos la televisión desde un satélite. Espero que os resulten útiles.

Primetimeblog.tv, blogging to talk about | Una moda que comenzó con la televisión por satélite y se fue con ella.

Ningún secreto es que la industria alimentaria actual es bastante preocupante. La industrialización de la producción, los descubrimientos químicos testados hace décadas en materia de conservantes, edulcorantes, colorantes y demás aditivos que lleva nuestra dieta diaria, tanto en casa como fuera de ella, me despiertan gran curiosidad sobre lo que como. Por suerte o por desgracia, existen numerosos creadores y directores que deciden dedicar una parte de su obra a este asunto y algunos de ellos han conseguido cambiar incluso un negocio global tan enorme como el de Ronald McDonald.

Aquí recopilo tres documentales que realmente me gustaron sobre el tema de la alimentación, y si no eres extremadamente paranoico u obsesivo, deberías ver. Algunas cosas de estos documentales dan verdadero miedo, pero ya que no podemos frenar esto de ninguna forma fácil, conviene saber que comemos y en qué nos va a afectar, de igual manera que nos preocupamos de los asuntos políticos y sociales que nos atañen día y día. Estos asuntos incurren directamente en la salud de todos y a largo plazo.

‘Food Inc.’, sobre la industria alimentaria

‘Food Inc.‘ está centrado en la industria alimentaria estadounidense, sobre todo lo que podemos encontrar a pie de estante en un supermercado norteamericano. No está centrado en la comida rápida, sino, por ejemplo, en cuántos pollos son necesarios para abastecer a una nación tan grande y qué metodología de crianza se utiliza. Por otra parte, una buena mitad de la producción se dedica a hablar de los alimentos GMO, o organismos genéticamente modificados, también conocidos por muchas personas como transgénicos. Qué son, dónde se utilizan y por qué son algunas de las respuestas que da ‘Food Inc.’

Otra parte realmente interesante de este documental es la dedicada al tema de la legalidad frente a granjeros y cultivos vegetales y crianzas animales. Detrás de este mundo existe una multinacional llamada Monsanto, que ingresa más de $7.340 millones de dólares al año, consta de más de 16.000 empleados con presencia global y es objeto de polémica constante por el potencial o real riesgo que suponen sus actividades de comercialización e investigación biotecnológica sobre la salud humana, animales y cultivos vegetales.

Más información sobre el documental en ¡Vaya Tele!

‘Fast Food Nation’, ¿por qué la comida rápida es tan adictiva?

‘Fast Food Nation‘ no es en realidad un documental, si no una ficción cinematográfica comercial que abarca el tema de las cadenas de restauración de comida rápida en Norteamérica, sin nombrar ninguna marca en concreto, pero refiriéndose constantemente a McDonalds / Burguer King en multitud de referencias, como el control de limpieza y trabajo de los trabajadores o la producción de aditivos especiales incoloros en laboratorios que dotan de característicos sabores a la comida, como el sabor barbacoa de una hamburguesa hecha en una placa de inducción o incluso en un microondas.

La cinta tiene también un pequeño trasfondo político referido a los trabajadores mexicanos en una planta de producción de carne en EE UU y la tiranía de uno de sus jefes. Hace un tiempo hablé de la película en este blog y aunque no sea una gran producción, revela algunos hechos empresariales que mucha gente no conoce y conviene saber.

‘Super Size Me’, la historia de Mc Donalds antes de dar su gran cambio

‘Super Size Me‘ quizás sea el documental más conocido de todos los de esta pequeña lista. Consiguió revolucionar realmente al mundo entero y a McDonalds, quienes desde entonces se vieron obligados a invertir millones de dólares en lavar constantemente su imagen, crear campañas de publicidad y relaciones públicas relacionadas con la calidad de sus productos y acciones constantes con sus consumidores para desmontar todas las teorías urbanas que han surgido en torno a la actividad de la marca y la calidad de sus productos.

El documental muestra a Morgan Spurlock, el realizador y protagonista del mismo, comiendo exclusivamente comida de McDonalds durante 30 días, en desayuno, comida y cena. Además, tenía que aceptar el menú super size cada vez que se lo ofrecieran. El resultado es espeluznante a muchos niveles y no se puede resumir en una palabra. Es necesario ver los datos reales del deterioro de su salud tras esta experiencia y ver la comparación con una dieta variada.

¿Tienes más títulos? Podemos ir ampliando la lista en los comentarios.

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Canal+ España ha estrenado nuevos identificadores de cadena en los que se ven unos sofás que se prenden fuego o se destrozan. La idea surgió del siguiente concepto concepto creativo:

La televisión ha muerto: larga vida a la televisión.

La televisión está viviendo una revolución radical y vertiginosa en la que están cayendo todas las convenciones.

Lo que no está expresado en las imágenes os lo cuento: Los spots están grabados con una Phantom HD a 1000 fps, una maravilla de la técnica.

Primetimeblog.tv, blogging to watch about. Todo a través de Neo2

Sí, he incumplido la promesa con la que comencé la nueva etapa de este blog. En los últimos meses me han pasado muchas cosas a nivel profesional, todas ellas positivas, y alguna que otra, muy positiva. Tras este tiempo de desconexión, volvemos con grandes videos. El tema esta vez es simple: desagradable, pero original.

Hay veces que la creatividad se encuentra en cosas inesperadas, agrias e incluso incómodas. Si no, que le pregunten a los chicos de Digital Kitchen. Y sin embargo, de esas cosas ordinarias pueden salir grandes obras. Ejemplos:

Foals – Spanish Sahara

Aún me cuesta entender el significado de este video y tardaré un tiempo. Un escenario totalmente blanco entre montañas nevadas. Frío. Olas con trozos de hielo resquebrajados, en un mar que se acerca más al negro que al azul del cielo. Llegando a la orilla, el cadáver de lo que parece un carnero sin piel dentro de una bolsa. Una soga lo ata y lo arrastra entre la nieve. Una llama de fuego. Un montículo azul.

Es, ese punto de demencia lo que hace tan originales a Foals.

Simian Mobile Disco – Hustler

Este es más fuerte. Una crítica directa hacia la sociedad del consumismo extremo y el perfeccionismo físico que representan muchas mujeres. Poca letra se necesita para un tema dance cuyo estribillo es “I’m a hustler baby, that’s what my daddy’s made me”. Los temas: bulimia, grasas, dinero, compras, teléfono, tarjetas de crédito, la mujer entendida como objeto sexual, consumismo, botox, cirugía estética, anorexia. Para mí, un 12 sobre 10.

Foals – Olympic Airways

Y la desvariada final no podía venir de otros. ¿Qué simboliza ese pulpo medio quemado entre neumáticos en la hoguera? Otra gran representación del caos mental de la adolescencia. El PLANO (sí, en mayúsculas), es el final: los globos negros en ese atardecer en el campo; una conclusión de esa etapa por la que pasamos todos y en la que ahora se quedan encerrados muchos adolescentes.

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No me atrevo a decir profesional porque no lo es, pero en estos tiempos que corren por la grabación de video, casi cualquier palabra es válida. Las cámaras de fotos ahora hacen maravillas, y las de video parece que continúan estancadas, dando sólo el paso al 3D.

Ahora le toca el turno a los móviles. La función de foto y video es lo que más uso de mi móvil, por comodidad para guardar momentos y recuerdos de forma instantánea. Llevo mucho tiempo esperando poder comprarme un iPhone, porque su concepto de usabilidad, operación y estilo del teléfono encajan perfectamente con lo que busco en un todo en uno.

Pero no quiero caer en manos de una tarifa leonina como las que impuso Movistar. Por eso, confío en que ahora, con tres operadores jugando a la competencia los precios se abaraten un poco y pueda adquirir por fin mi deseado iPhone. No necesito Android, ni un HTC, ni un Nexus One… no quiero instalar mil programas que luego no voy a utilizar, ni quiero poder programar en un teléfono móvil.

Tan sólo quiero llamar, recibir llamadas, mails, tener un iPod, ver video, escuchar música, y sobre todo, capturar foto y video de calidad. Y este videoclip profesional grabado con un iPhone 4 me confirma que la cámara de video HD 720p que incorpora es argumento suficiente para mí:

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Este año no pude tragarme el directo entero, uno de los programas que más espero cada año en TV, que reconozco abiertamente que me gusta y que creo firmemente en su potencial. Lo ví por partes en un bar y me quedé con unos cuantos apuntes.

El escenario, ese que los medios nos contaban que sería apoteósico de tal manera que casi poco tendría que envidiar al Colisionador de Hadrones (esto es exageración mía) me pareció un pelín desaprovechado. Muchas luces, muchos rojos, muchos puntos, pero quizás un poco estático. No obstante, es por sacarle alguna pega, los medios para el directo estuvieron impecables, como siempre.

La realización de este directo demuestra que con dineros y audiencia podemos llegar perfectamente a la altura de un gran show estadounidense en Europa. Quiero decir, que nosotros también sabemos hacer bien las cosas a lo grande.

Por otra parte me gustaron mucho esas imágenes de las familias europeas viendo el programa. Pese a que pueda parecer cutre creo que aumentan esa sensación de “toda Europa conectada” viendo una misma cosa. Podrá parecer una sensación moña, pero esa conexión me gusta y me resulta muy agradable. Creo que los chicos de Madcon también lo consiguieron con su actuación.

Dos acontecimientos: el asalto de Jimmy Jump, inesperado, polémico y traste. El festival se portó correctamente dándonos otra actuación para el final, aunque la canción no daba para más. También la irrupción dice mucho de la seguridad del festival.

Y el falso flashmob con Madcon. Los flashmob originales no son organizados, surgen espontaneamente. Parece que es la tendencia televisiva y publicitaria del año: ese concepto de coreografía grupal y en masa que ya sea apropió del nombre de flashmob.

Por último: me gustaron los grafismos en 3D sobre el Telenor Arena.
No me gustaron: los cambios de plano después de que explotase la bandera del país que iba a actuar y los rótulos, demasiado básicos.

Primetimeblog.tv, blogging to talk about | ¿Por qué hay que cargarse Eurovisión?

Pues eso, que estoy saturado de la serie de marras. Mi opinión ya la solté por Vayatele (no os perdáis los comentarios de la entrada), y tan sólo os dejaré con un video que muestra las otras mil formas posibles de acabar con la serie.

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Tras un buen tiempo con la sección de videoclip parada, hoy la retomamos con ritmo. Y es que continúo pensando que el dance es un género lleno de ritmo, ideal para disfrutar fuera de las discotecas y una buena oportunidad para dar rienda suelta al ritmo creativo en audiovisual. Hoy os traigo dos ejemplos bien hechos.

El primero de ellos es para el nuevo trabajo de los Chemical Brothers, Swoon, que se estrenará este 2010 y ya podemos ver el video del single (ver en Youtube). Me ha llamado especialmente la atención porque hacer un videoclip tan artístico como ese en pleno panorama audiovisual del 2010 es una apuesta, cuanto menos, interesante. Sus creadores han apostado por un look más que retro, basando la historia en siluetas y distintas texturas en color, que no sé si serán un homenaje a las primigenias pruebas de videoclips de Walter Ruttman allá por 1921, pero al menos a mi me recuerda mucho a eso:

Lo más probable es que se hayan inspirado en las creaciones de Ruttman como precedente. Y por otra parte, el segundo video de hoy sí que tiene un toque muy retro. La canción es “Why Don’t You”, de Gramophonedzie y basa su historia en el tópico de que todos los hombres somos un desastre en las cosas de la casa (mentira muchas veces) hasta que llega una chica y nos enseña cómo hay que hacer ciertas cosas (verdad muchas otras).

De este video destaco especialmente, aparte del remix entre dance actual y una bonita melodía propia de los inicios del cine sonoro, la mezcla entre blanco y negro y color, y el juego de dualidades que está siempre presente en un mundo actual y un mundo antiguo. Es una sátira simpática con múltiples interpretaciones. La chica no llega a ser una Gilda evidentemente, pero creo que hay que reconocer este buena idea de collage audiovisual:

Primetimeblog.tv, blogging to watch about | Porque no podemos decir que todo lo del mismo género musical es igual…

Esta promo es el nuevo trabajo de una agencia de publicidad brasileña, Animatório, para Cartoon Network. A primera vista creo que no es una promo destinada específicamente a los niños, por la forma de mostrar el contenido, por el ritmo y por el propio slogan. Es más bien una promo corporativa destinada a los padres, que la verdad me ha parecido bastante original.

En plena escena de guerra de juguetes, un soldado gasta sus últimas fuerzas para llegar al mando a distancia y encender la tele para dejar sintonizado Cartoon Network. Un ejercicio de originalidad bastante bien conseguido, pero supongo que no destinado a la propia audiencia del canal. Los productos audiovisuales infantiles, y más aún las promos, se caracterizan por tener un ritmo frenético, lleno de colores, movimientos, música y efectos de sonido, todo con la finalidad de distraer al niño espectador y no captar su atención. Cuando somos niños podemos concentrarnos muy rápidamente, pero también perdemos la atención y concentración en menos de un segundo, cuando vemos un estímulo que nos llama la atención o cuando algo nos aburre especialmente por su lentitud.

Primetimeblog.tv, blogging to watch about | Un paseo por la calle en la que vive la originalidad.

Interesante entrevista la que publican en FTV realizada a Kantar Media España (ex Sofres), quienes llevan actualmente el tema de la medición de audiencias. El aparato más polémico de la industria catódica sigue estando en boca de todos, más aún con el apagón y las nuevas tecnología digitales, que permiten nuevas líneas de investigación en audiencias.

Sólo hay una cosa que se mantiene igual: los audímetros miden los espectadores que ven la tele en sus casas, en el televisor. Pero, ¿qué es del ordenador? Somos muchos los que vemos la tele a través del ordenador, en múltiples modalidades… Ya hablamos hace un tiempo sobre estos aparatos, y comentábamos si daban un número real o no…

La cuestión es que la industria actual confía en el sistema, que podría ser mucho mejor y más avanzado, y lo cierto es, que marca la tendencia de la masa de espectadores. Pero, ¿está el audímetro preparado para esta era audiovisual? Veámoslo.

La cuestión principal

Hay varias. Por un lado, saber cuántos ven los programas de forma oficial, a través de las webs de las cadenas. Cuántos siguen la tv en directo a través de internet, y cuántos ven productos audiovisuales de forma “ilegal”, vía descarga. Ésta última, la más difícil de conseguir de todas.

El objetivo y la problemática

La cuestión que planteamos en este post es sencilla: saber cuánta gente y de qué manera consume productos audiovisuales por internet. No es posible medir la cantidad de gente que se baja series de internet y las disfruta en su ordenador, iPod o móvil. Tan sólo sabemos que mucha gente lo hace porque todos lo comentamos entre nosotros. Todos conocemos los torrents, el eMule y Series Yonkis.

El objetivo de la industria televisiva general es despertar de su letargo y ofrecer todo, absolutamente todo su contenido a través de internet, como canal de transmisión complementario al directo, por propia evolución natural del medio, y por la insostenibilidad de la parrilla programática tradicional como sistema de disponibilidad de todos los espectadores. La cuestión es saber medir la masa de gente que consume audiovisuales a través de internet, para poder aplicar fórmulas de rentabilidad lo menos intrusivas posibles y mantener la audiencia.

La problemática es que cada cadena ha lanzado su propia plataforma para colgar su contenido online. RTVE tiene TVE a la carta, Cuatro, Play Cuatro, Telecinco Mi Tele, laSexta tiene Mi Sexta.tv y Antena 3, Antena 3 videos. El resto de cadenas se están incorporando ahora o deberán hacerlo lo antes posible para no quedarse atrás. Todo esto son plataformas de desarrollo propio para cada cadena, y por lo tanto incluyen su sistema de estadísticas propio.

Eso quiere decir que no necesitan de Kantar Media, a no ser que la empresa desarrolle una tecnología que les permita obtener toda la información del espectador que se puede obtener a través de internet, mucho más completa que la que obtenemos por medición de audiencia digital hertziana. Sin embargo, las cadenas tampoco publican la audiencia que tienen sus programas a través de sus webs.

Por qué no se mide en tiempo real

Es una de las ventajas que permite internet. No se mide en tiempo real porque la industria no quiere. En cierto modo, es una medida de autocontrol. Hay bastante competencia entre el día a día como para que además se puedan obtener datos en tiempo real. Sería muy interesante, pero la guerra entre cadenas sería una verdadera batalla campal en la que los heridos seríamos los espectadores.

Sobre la audiencia en los bares

Interesante saber que Kantar Media no mide la audiencia en los bares, que no se conoce, y que nunca se ha conocido de manera exacta, tan sólo estimada y por otras vías de obtención de datos estadísticos que no son el audímetro, propiamente televisivo.

Dicen desde Kantar que el panel de audiencias en España se diseñó y está exclusivamente diseñado para los hogares, familias y algunos invitados. Esos son los datos que se extrapolan al resto de la población. Por lo tanto, cuando hablamos de que 9 millones vieron anoche la prórroga del Atlético de Madrid frente al Fulham, y 7 vieron el partido completo, y de un 40% de share, hablamos de espectadores en sus casas.

No sabemos nada de la masa de aficionados que se hacina en los bares. Sólo que son muchos, pero no tenemos número. Quizás a Gol Bar le interesaría…

Primetimeblog.tv, blogging to talk about | Y por qué cortan la señal de fútbol a los bares.

Fútbol + Cerveza es un imperativo propiamente español que se disfruta en los bares. Uno los grandes atractivos de los bares son las retransmisiones de fútbol, y gracias a la televisión de pago, mucha gente acude a los bares a ver encuentros que no dan en abierto y por los que no pueden o no quieren pagar. Ver el fútbol en el bar del barrio es un espectáculo único, un hábito social en el que todos ganan: bar en consumiciones y afición por su deporte. Todos menos uno: el operador de tv de pago.

El eterno dilema hasta ahora era que los operadores pierden mucho dinero. Mientras que por un abonado (de uno a cuatro espectadores, por eso de la familia) se generan (pongamos por ejemplo el caso de Gol Televisión) 15€ al mes, en el caso de los bares se genera el mismo beneficio por 40, 50 personas, o incluso más, puesto que el abonado es el dueño, no los consumidores. Claro, que al empresario le interesa: 15€ al mes por hacer una caja de 600 euros por partido, por ejemplo, es una cifra muy rentable.

Digital+/Canal Satélite Digital fue consciente de este hecho en su tiempo e impuso una cuota especial a los abonados propietarios de bares. Ahora los ojos están puestos en Mediapro y su canal futbolístico, Gol TV, quienes han decidido cortar la señal a 7.438 locales por incumplir los términos de servicio. En Mediapro diseñaron una fórmula específica para bares, que amplía la línea de negocio del canal, y en la que realmente todos salen beneficiados. Crearon una señal específica para bares: Gol Bar, un canal con las emisiones personalizadas para este tipo de situaciones, que requiere pagar una cuota especial y que, no estoy seguro de esto al 100%, creo que tiene una programación distinta a la de Gol TV, y opciones del tipo de habilitar el audio directo del estadio sin comentarios.

Esta señal personalizada no sólo “legaliza” la situación, sino que añade valor, ya que por ejemplo, con Gol Bar se suministra una revista específica para bares, con el listado de todos los encuentros, artículos de fútbol y cosas de ese estilo, que complementará la prensa deportiva que tengan… No sé cuanto cuesta la cuota de abono de Gol Bar, pero Digital+ hace unos años la cobraba a razón de unos 140€ el mes. Y de todo esto pienso que pese a ser una coyuntura puramente económica entendida en términos de rentabilidad, lo que me parece mejor de todo es la inciativa de Mediapro creando una señal y servicio de fútbol personalizado para los bares que va más allá de una cuota mensual especial.

Primetimeblog.tv, blogging to talk about | Barça-Madrid ‘09 en los cines: que ocurrió.

La cinematografía DSRL está avanzando por cuestión de segundos. En una tendencia que parece imparable en estos últimos dos años, una de las marcas más importantes en el mundo de la fotografía, Canon, está colocando una de sus máquinas prácticamente a la altura del celuloide. Lo que a priori puede parecer una afirmación aberrante para el mundo profesional, lo cierto es que no hay más que comparar resultados.

Lo que no me esperaba yo es que esta noticia llegase tan pronto. Una de las diferencias más notables de la producción de series de ficción en Norteamérica es el uso del celuloide para captar las imágenes. De ahí esos looks espectaculares y planos imposibles de grabar con otro tipo de cámaras o sistemas. Esto tiene un coste muy elevado, ya que realmente, es un coste de cine, no de televisión (al menos en este aspecto). Greg Yaitanes, director de ‘House’, ha grabado el último episodio de esta sexta temporada completo con una cámara de fotos: la Canon 5D Mark II (de la que hablamos en Especial video de Xataka).

Según comenta el director vía twitter y el equipo de producción de la serie, la experiencia de grabar con esta cámara de fotos ha sido más que positiva. Resulta impensable decirlo, pero sí, la season finale de ‘House’ se ha grabado con una cámara de fotos, poco convencional, pero ya se ha sustituido a la cámara de cine. Y se ha sustituido en las majors de Hollywood, un claro, decisivo, importante e impactante indicador de por donde van a ir las producciones audiovisuales durante dos próximos 2-3 años, puede que más. La cámara da resultados espectaculares en video, y cada vez más aparecen accesorios de cinematografía DSLR que abaratán costes consiguiendo una gran calidad y permitirán un importante acceso a la calidad desde otro tipo de presupuestos.

El hecho de que Hollywood haya dado el paso de sustituir una cámara de cine por una DSLR para una producción profesional de semejante calibre dice mucho. Al parecer, la tendencia ya venía desde el Rockefeller Building, en donde ‘Saturday Night Live’ estrenó hace un año y pico su preciosa cabecera de programa, también grabada con una Canon 5D Mark II (NBC tiene eliminada la cabecera de todos lados, no os puedo insertar el video):

Vía | Engadget
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Hace tiempo que quería escribir sobre esta campaña de Adidas, o por lo menos, guardarla por aquí. Le llevo viendo durante unas semanas en MTV Rocks (antígua MTV | 2). El caso es que me encanta, en gran medida, por la banda sonora que acompaña y casa a la perfección con el estilo marcado por las imágenes. La canción es “Why Can’t There Be Love”, de Dee Edwards. Esta versión de un minuto de duración es la que se emite en MTV Rocks, y creo que aún no ha llegado a España.

El spot consigue transmitir esa sensación casual, freestyle y libre en la que se basa en buena medida el calzado y vestimenta de Adidas. Casi tan bueno como éste de la misma marca, de la colección Star Wars Originals que habla por si sólo, en el que se hace partícipe incluso Daft Punk:

Y para terminar con este pequeño paréntesis publicitario, una recomendación. Hace poco descubrí a alguien que quiero recomendaros si os interesa el buen gusto, la publicidad y la creatividad audiovisual a partes iguales y en buenas cantidades. Os hablo de Jesús Manuel Rubio (@jesusrubio). Jesús, además de buena persona, desarrolla su creatividad como producer en Bassat Ogilvy (si no la conoces, es una de las empresas de publicidad más importantes actualmente). Y no se me ocurre mejor forma que describirlo que pidiéndoos que os paséis por una de sus galerías lomográficas y que veáis este video, que grabó con ¡una Panasonic convencional! en su último viaje a New York, donde descubrió a los geniales Sigur Ròs:

Me fascina la unión que ha conseguido con la calma, tranquilidad y sosiego de los islandeses mezclada con la noción de NYC que realmente es y que todos tenemos en mente casi por inercia. Ese sonido directo, especialmente el de la radio… Una visión totalmente distinta de la ciudad, en la que no hace falta una sola palabra para adivinar en que mundo estamos.

Primetimeblog.tv, blogging to watch about | Todo lo poco que se ha dicho sobre publicidad por aquí hasta ahora…

Los que me conocen desde hace tiempo saben que ‘Lost’ era una de mis series favoritas y de hecho la calificaba como la mejor serie de televisión que se había hecho en los últimos años. Digo era, hasta que abrí los ojos allá por la tercera temporada y me dí cuenta de que ni es la mejor serie, ni mucho menos la mejor que se ha hecho en los últimos años. No sé si la historia conseguirá sorprenderme en lo que queda de temporada. En estos momentos escribo desde lo conocido hasta el S06E04.

Pero hay algo que me llama curiosamente la atención. Observo reacciones desde hace años entre la audiencia de Lost, especialmente en gente fanática de la serie, lo que hemos conocido hasta ahora como lost fanboys. Son personas con verdadera devoción por el show, que defienden a capa y espada cualquier cosa relativa a Lost, sus personajes, sus guionistas y su historia, y creen que nada supera a esa serie de televisión. Capaces de insultar cual trolls a cualquiera sin conocerlo absolutamente de nada, en el caso de que se pronuncie algo en contra de la serie. Fanáticos de la exactitud del argumento, son casi capaces de recordar minuto por minuto de cualquier temporada de la serie y situarse en la trama casi mejor que los propios guionistas. Quizás sea bueno pararse a pensar de vez en cuando y ver… que es una serie de televisión. Punto.

Es cierto que Lost nos ha brindado grandes momentos, en mi opinión, especialmente en la primera y tercera temporadas. Pero he llegado a un punto en que la historia me cansa. Recuerdo que una profesora de guión que tuve no paraba de decirnos… “ojo y cuidado con el flashback, es el recurso de los malos guionistas. Con un flashback se pueden justificar multitud de cosas argumentando que estaban en el perfil…”. No creo que sea este el caso, pero sí que estoy cansado de flashbacks, flashforwards y ahora, flash-sideways o historias paralelas. Lost era una serie pensada para una única temporada y acabó teniendo seis.

Hay algo que me parece de admirar: cómo de un argumento tan sencillo como un avión estrellado en una Isla y sus náufragos pueden salir seis temporadas televisivas que consigan enganchar a tanta gente alrededor del mundo. Lost es, probablemente, uno de los productos televisivos norteamericanos más estirados.

He llegado a un punto (como espectador) en que el argumento me cansa. Ahora unos personajes no son tales, ciertos misterios se explican de formas que hacen que dude de su construcción… El muerto ya no es el muerto, sino que es otro, que su vez se convierte en otro, y luego puede revivir haciendo tal cosa… Acabaré viendo la serie y no podré juzgarla completamente hasta llegar al final, pero reconozco que tras tanto cambio, la cosa me ha aburrido en vez de entretenerme.

Os dejo con una de mis escenas favoritas de la serie, cuando me sorprendía gratamente y veía un buen misterio construido:

Primetimeblog.tv, blogging to talk about | Curiosidades sobre series de televisión: Friends.

En una industria audiovisual tan avanzada como en la que nos encontramos, pararse un momento y mirar atrás un par de años para ver el avance, sorprende. En pocos años internet se ha posicionado como el medio estrella para el vídeo online, y si ya era el canal habitual de consumo audiovisual para muchos de nosotros desde hace años parece ser que el futuro es cada vez más prometedor.

Actualmente se hace raro pensar en un directo de televisión que no tenga su correspondiente streaming online, disponible para los usuarios de ordenador, tablet y mobile. En este artículo hacemos un breve repaso a las claves que han hecho que evolucionen notablemente los directos de televisión a través de internet frente a un medio que llevaba la noción de directo implícita desde su nacimiento: la televisión lineal.

La implantación de multicámara

Lo vimos, por ejemplo, el año pasado ya a gran escala internacional con el concierto de Coldplay en Madrid. La posibilidad de añadir multicámara a los streamings aporta un plus a cualquier transmisión en el que la interactividad verdaderamente cobra el valor añadido que debe tener: permitir al usuario hacer lo que quiera con la transmisión y disfrutar de varios puntos de vista. Es la forma más completa de transmitir un evento.

El próximo paso debería estar en los replays: que el espectador tenga la posibilidad de ver casi al instante la escena que acaba de suceder. Algo que en televisión convencional requiere que este hecho suceda implícito en la realización del programa, y en un streaming la tecnología de la plataforma sobre la que se sustenta la recepción (ordenador, smart tv, tablet, mobile) es la clave para permitir estas funciones.

Distribución a menor coste

A nivel de producción, un directo en streaming es similar a un directo de televisión: se siguen utilizando equipos de realización profesional, infraestructuras técnicas complejas, un buen número de profesionales en el equipo humano… pero a nivel de distribución el cambio si es notable.

Para hacer un directo en televisión convencional hay que disponer de una licencia de emisión, un canal que distribuya su cobertura mediante TDT o satélite y unas infraestructuras técnicas muy caras de mantener para distribuir la señal a todo el mundo: repetidores, puntos de emisión, centros de control… Un streaming tiene toda esta estructura “más solucionada” a través de una red de distribución global instantánea ya montada: internet.

La alta definición

Esto que parece una tontería, es una realidad en la mayoría de streamings. Mientras que la retransmisión de un evento (genérico, no fútbol) en televisión suele ser en SD o en HD si eres abonado a alguna opción premium o dispones de suscripciones a canales de alta definición, encontrarte con que el streaming en internet dispone de opción HD sin ningún tipo de coste es muy común.

Menos fronteras temáticas y geográficas

Hacer un directo en televisión, para cualquier cadena es una apuesta arriesgada: hay que amortizar la infraestructura de producción, pero también debe ser bien atractivo el tema para que resulte rentable la distribución. Un streaming, al ahorrar costes en esta última parte, se puede permitir un margen ligeramente más relajado en temáticas, ya que la amortización puede resultar más cercana.

Esto permite a eventos de nicho poder tener sus propias retransmisiones en directo. Directos que en televisión convencional tendrían que haberse reducido a otros formatos probablemente.

Métricas más avanzadas en tiempo real

Por último, el avance en métricas de audiencia. Si bien en televisión podemos conocer una estimación, a la que sumar hoy en día la audiencia social sobre los directos, en un streaming tenemos un mayor conocimiento de los comportamientos del espectador: cuando viene, cuando se va, cuando vuelve, posibilidad de interacciones, procedencias más exactas, etc.

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Imágenes | Javier Lasa

¿Te has preguntado alguna vez quiénes intervienen en el diseño de una ciudad? Las herencias de la historia tienen un límite y el mundo actual en el que vivimos requiere sofisticadas soluciones para que una gran ciudad funcione perfectamente. Hablamos del orden de miles de personas en un mismo entorno más allá de su una ciudad nos resulta estéticamente atractiva o no. Este tema es uno de los muchos que trata ‘Urbanized‘.

El documental de 82 minutos es uno de los integrantes de la llamada “trilogía del diseño“, junto con ‘Helvética‘ (del que ya hemos hablado por aquí anteriormente) y ‘Objectified’, que trata sobre el diseño de los objetos. ‘Urbanized’ está actualmente en emisión en España a través de Canal+ en multidifusión en varios horarios y canales de la plataforma, y si te atrae la premisa inicial, recomendamos verlo.

Una visión completa del concepto ciudad

Lo que más me ha gustado de ‘Urbanized’ ha sido la visión completa que ofrece sobre el concepto de ciudad urbana. No es un documental centrado en Nueva York o Tokio. Tampoco en París o en México. La historia que quiere contar ‘Urbanized‘ trata el concepto ciudad desde un punto de vista global y resolutivo: qué ciudades en el mundo tienen problemas y cómo el urbanismo ha solucionado o podrá solucionarlos. Todo comienza en Bombay, en donde se parte de problema de los suburbios y la pobreza, partes integradas en las ciudades que carecen de condiciones humanas y salubres para vivir.

El documental plantea qué se puede hacer con los suburbios y muestra a través de constantes entrevistas con importantes arquitectos como Norman Foster, Oscar Niemeyer, Rem Koolhaas, ingenieros, ideólogos y alcaldes de ciudades qué soluciones merece una ciudad del Siglo XXI. Los argumentos son bastante blancos, no nos encontramos ante una producción de corte activista ni elitista. Más bien hablamos de una caja que resume el concepto de ciudad en un mundo globalizado.

Dirigido por Gary Hustwit, el documental quiere hablar a un ciudadano marcadamente urbano, global y consciente de la situación actual de las grandes urbes. Algo más del 50% de la población global actual vive en la ciudad, y los estudios, según el documental, creen que el dato será del 75% en los próximos 40 años. ¿Estarán las ciudades actuales preparadas para un nuevo éxodo?

El dilema de los transportes y la organización demográfica

Viniendo del director de ‘Helvética‘ al principio pensé que el documental iba a estar basado más bien en conceptos de arquitectura y diseño. Para mi sorpresa fue totalmente contrario. Está más centrado en hablar de organización y estructura de elementos urbanos que en grandes ciudades o llamativos edificios. Otro de los interrogantes que ‘Urbanized’ plantea es ¿cómo gestionar la demografía? Y es aquí donde toca el tema del transporte y la movilidad en las grandes ciudades.

Es interesante que al hablar de trenes, apenas se ahonda en el metro y se habla mucho más de la superficie, las carreteras y transportes urbanos como el autobús, para el que se cita el caso de Bogotá y el Transmilenio, un sistema de bus con marcados tintes de sistema suburbano ferroviario, como andenes y paradas especiales o carriles exclusivos. Por el coste de 25 Km de metro construyeron 400 Km de Transmilenio en Bogotá.

‘Urbanized‘ trata la ciudad como un lugar en el que confluyen distintas fuerzas: económicas, sociales, naturales. Propone que el diseño urbano es verdaderamente el lenguaje de cada ciudad, desde el punto de vista de cuando andamos por una ciudad, todo lo que nos rodea ha sido diseñado. Los movimientos urbanos, el paso del tiempo y los cambios demográficos son algunos de los motores que hacen avanzar o retroceder las ciudades modernas.

‘Urbanized’ es un instructivo documental sobre la magia de las ciudades. Qué nos atrae de unas moles de hormigón llenas de personas, sobre las cuales vivimos y se desarrolla gran parte de la sociedad en la que nos encontramos. Argumentado con multitud de puntos de vista y entrevistas a expertos profesionales en entornos urbanos, arquitectos, profesores de universidad, ideólogos y ciudadanos que en esta cinta tratan de dar sentido a que la unión entre arquitectura y la mobilidad es uno de los retos presentes para crear ambientes humanos mediante el diseño de las cosas.

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Canal+ sigue apostando por Yomvi, el punto de encuentro multiplataforma donde están todos los canales de Canal+ en directo, contenidos bajo demanda y el servicio de pago por visión, Taquilla. Recientemente han sacado la esperada versión Mac del servicio y en ¡Vaya Tele! hemos podido probarla.

¿Tú eres usuario de Yomvi? ¿Pagarías por una plataforma con contenidos bajo demanda? La realidad es que no hablamos de futuro, sino de presente desde hace ya mucho tiempo y no existe un servicio de vídeo de pago que nos convenza de una forma tan contundente como Spotify lo hizo en su día con el mundo de la música, al menos a mí, aunque se avanza poco a poco y en la dirección correcta. En ¡Vaya Tele! hemos podido probar la esperada aplicación de Canal+ Yomvi para Mac y os contamos qué tal es.

Los canales en directo

Desde su estreno, Canal+ ha invertido en mejorar las funcionalidades de Yomvi y la versión de Mac se presenta como una plataforma bastante estable con algunos aspectos interesantes y otros en los que aún falta camino por andar. Comenzando por la interfaz, la versión de Mac es igual que la versión PC. El programa estructura todos los contenidos en tres grandes áreas: VOD, TV en directo y Fútbol en directo.

Comenzando por la pestaña de TV en directo, nos encontraremos con las versiones lineales de los canales convencionales que tengamos contratados con Canal+. Pulsando sobre los logos accedemos al streaming del canal, que carga rápido y va fluido, sin cortes ni pixelaciones, aunque un detalle que se echa en falta es que únicamente se puede acceder a la emisión SD de los canales. El punto positivo es que el streaming no se corta nunca, va fluido y como la emisión de televisión convencional. Actualmente, se pueden seguir más de 18 canales de Canal+ en directo en Yomvi.

Un gran punto que estaría muy bien en el futuro es poder recuperar en esta pantalla la idea del canal mosaico que antaño tenían Canal Satélite Digital y Vía Digital, de tal forma que de un sólo vistazo se podía tener una visión global de las emisiones en directo y elegir un canal.

Aunque la emisión tira bien, echamos también en falta un piloto: qué programa se está emitiendo, cuándo empezó, cuándo acabará y cuál le procederá. Un punto positivo del programa es que enlaza con una plataforma de feedbacks de usuarios en la que los espectadores pueden transmitir sus ideas sobre la plataforma, errores y demás necesidades.

Cómo es el catálogo de Yomvi

La parte de VOD (video on demand) es la más interesante de la plataforma. Estructurada en una tarifa plana y en contenidos de taquilla, puedes elegir entre películas, series, deportes, documentales, música y programas completos, por ejemplo. Uno de los valores añadidos de Yomvi es que tienes disponibles algunos programas que están en emisión en las distintas versiones de Canal+ (1, 2, Xtra…), aunque no todo el contenido al 100%.

La oferta es interesante, sobre todo si eres de los que busca algunos de los contenidos más especializados de Canal+, aunque algunos títulos son de taquilla y esto, aunque haya que pagar por el visionado, amplía las posibilidades de catálogo y de permanencia de títulos. Yomvi organiza los contenidos en dos vías: por categorías y subcategorías clásicas (cine, series, documentales…) y te da la posibilidad de buscar en un buscador y por orden alfabético. La otra vía es a través de listas del catálogo que van cambiando periódicamente: cine de navidad, Yomvi propone, dioses de la música, estrenos de ‘Saturday Night Live’ (subtitulados al español), …

En el catálogo de series están incluidas las temporadas de las series que emite Canal+, aunque no existe opción de elegir la versión original subtitulada en español, en inglés o directamente sin subtítulos, algo que para muchos es imprescindible. Respecto a tiempos de emisión, los contenidos van con las fechas de la emisión lineal en televisión.

En la interfaz ahora aparece claramente identificado el número del episodio y la temporada.

Contenidos de fútbol y otras opciones

Yomvi también ha realizado una apuesta por el fútbol en directo y en diferido, activando una pestaña para los directos de fútbol. Por otra parte, los partidos se pueden volver a ver íntegros desde el programa y seguro que supone una vía más de disfrutar los partidos para los aficionados al fútbol. De momento, Yomvi se ha centrado en el fútbol como deporte estrella de la plataforma, con Canal+ Liga como plato fuerte, aunque en el futuro nos gustaría ver disponibles más deportes en esta modalidad de consumo.

Además de los subtítulos y las versiones originales, algo que podría complementar muy bien la experiencia de Yomvi en Mac (y en PC) sería la posibilidad de grabar la emisión, o programar una grabación de igual manera que ocurre en el iPlus y también una opción de timeshifting. Por otra parte, algo que se echa de menos es la opción de poder marcar los contenidos vistos y no vistos, crear listas de reproducción y opciones de gestión de contenido que tienen otros programas y plataformas, aunque entendemos que la prioridad principal de Yomvi es tener el máximo contenido disponible en su plataforma.

Otra opción que no hemos podido probar es el Karaoke, disponible a través de taquilla por compras individuales y con canciones destinadas a toda la familia. En resumen, poco a poco Yomvi va creciendo y mejorando en contenido, siendo a día de hoy una oferta interesante y multiplataforma si te interesan los contenidos habituales de Canal+ y buscas un servicio fácil y rápido que gestione un consumo audiovisual bastante moderado, ya que parece que los contenidos no son actualizados muy a menudo según comenta nuestra comunidad.

En ¡Vaya Tele! | Canal+ Yomvi se podrá ver a través de CINESA a partir de 7,95 euros al mes

Finalmente sí iremos a ‘Eurovisión’ este año. Llevamos participando desde 1961 de forma ininterrumpida, hemos ganado el Festival dos veces seguidas (en 1968 y 1969) y formamos parte del “Big Five” de la UER. Esto quiere decir que somos uno de los cinco países que más aportamos financieramente a la Unión Europea de Radiodifusores y tenemos garantizada nuestra presencia en la final. Pero… ¿merece la pena salirnos del festival?

Realmente, hay varios motivos por los que a una televisión cualquiera le interesa estar en ‘Eurovisión’, sobre todo a nivel de cadena. En paralelo está el tema de que una amplia mayoría de gente (y lo podemos ver en las redes sociales) piense que no estamos correctamente representados, hacemos el ridículo o el vecinismo nunca nos sale a cuenta.

Un programa casi imprescindible en la parrilla

‘Eurovisión‘, al margen de las polémicas de vecinismos, politiqueos y demás parafernalia, es un clásico en nuestra televisión nacional. ¿Realmente no se te haría raro ver que España no participa en el Festival después de tantos años? Muy manida está la frase de “lo importante es participar”, pero no olvidemos la realidad de ‘Eurovisión’ para una cadena de televisión: es un programa más, de gran audiencia. Y mucho más digno que otros programas de nuestras emisiones nacionales en su conjunto. Cierto que eran otros tiempos, pero no olvidemos que en 2002 Rosa marcó un 80,4% de share, Chikilicuatre un 59,3% en 2008 y el año pasado, un 43,5% consiguió anotar Pastora Soler.

No es una cifra cualquiera la de 2012. A TVE no le interesa perder esa cifra el mes de emisión del programa, aunque ya no juege en la liga de las tartas publicitarias. Se trata de un dato de cadena tan válido como cualquier blockbuster, independientemente de la posición en la que quedemos clasificados como país concursante.

Por otra parte, TVE forma parte de la UER, Unión Europea de Radiodifusores. Eurovisión como tal es una entidad mucho mayor de la que el público conoce. Nutre de un montón de contenidos a las cadenas miembros de la UER: principalmente competiciones deportivas, directos y noticias. Lo que conocemos popularmente por su nombre, es un contenido más de este contenedor de contenidos, y el nombre real es ‘Eurovision Song Contest’. TVE paga una cuota a la UER por acceder a todos estos contenidos entre los cuales está el Festival de la canción de marras.

No menos importante es la proyección de la cadena a nivel internacional. Pese a los cromas cutres de cada año, aparecer en millones de hogares europeos al mismo tiempo fomenta la noción de cadena de televisión europea al nivel que debe estar Televisión Española. Y francamente, ganemos o no, nunca hay que perder de vista que es simplemente un programa de televisión. El año pasado, a mi juicio, Pastora Soler nos representó muy dignamente y de cualquier manera, algo que se puede disfrutar siempre es el tremendo plató y mejor realización que la UER pone a disposición de todas las cadenas europeas cada año.

En ¡Vaya Tele! | Sí, España sí irá a Eurovisión este año

Seguramente te has preguntado quién se encarga de guardar y buscar los vídeos e imágenes que ves todos los días en un informativo en televisión. De todos los profesionales que hemos descubierto en este especial Quién es quién en televisión, ¿quién crees que se puede encargar de estas funciones? ¿El Redactor? ¿El Realizador? ¿El Productor? ¿El Editor?

Realmente, no se ocupa ninguno de ellos. La gestión de imágenes y vídeos de una cadena de televisión es algo tan grande y complejo que require profesionales dedicados exclusivamente a ello, con un departamento propio y una gestión específica. Hablamos de los Responsables de Documentación de una cadena y hoy vamos a descubrir un poco más en que consiste su trabajo.

El disco duro sin fin

Archivo y Documentación es el departamento de las cadenas de televisión especializado en guardar, registrar, clasificar y buscar todas las imágenes y emisiones que genera una cadena. Guardan desde los informativos íntegros, día por día hasta los anuncios, pasando por reportajes de vídeo puntuales emitidos en un magacín (por ejemplo), hasta las conexiones en directo con una unidad móvil.

La utilidad de este departamento es casi infinita. Imagina que necesitas montar una noticia y te hacen falta, por ejemplo, imágenes de una inundación en Valencia en 1990. Los responsables del departamento tienen clasificada y localizada esa información. En cuestión de minutos pondrán a tu disposición las imágenes para que puedas montar tu pieza, en el caso de que fueras montador o redactor. Útil, ¿verdad?

Normalmente, el archivo físico suele ser enorme, y está aislado de la luz y el calor. Cuando entras huele de una forma un tanto especial, casi como a laboratorio de revelado fotográfico… esto es así por la impregnación magnética de las cintas. Dentro de un archivo de televisión, sobre todo si es antiguo, estarás rodeado de estanterías desde el suelo hasta el techo con centenares de cintas de muchísimos años. Es una sensación bastante curiosa y especial la de meterse aquí.

La Biblioteca del Vaticano… de la tele

En la actualidad, la televisión no trabaja con cintas. Internamente siguen un flujo de trabajo tapeless, es decir, todo está digitalizado, imágenes y vídeos se almacenan en unos servidores centrales y cualquiera dentro de la televisión puede acceder a este archivo de una forma mucho más rápida.

Un dato curioso de las cadenas de televisión es la copia legal. Toda cadena está obligada a guardar al menos durante 7 meses las 24h continuas de su emisión. En el caso de cualquier reclamación legal efectuada, la cadena tiene el registro de lo que se emitió, pudiendo ser utilizado como prueba jurídica (en el caso de una denuncia, por ejemplo), o similares.

En ¡Vaya Tele! | Quién es quién en televisión
Imágenes | Carta de ajuste, Panorama Audiovisual

Hay una palabra muy de moda en internet, más aún en el mundo publicitario: branded content. Seguramente seas fan de alguna marca, tengas tus preferencias por su estilo o productos, de igual forma que muchos somos fans de cadenas como AMC, por producir ‘Mad Men‘ o ‘The Walking Dead‘. No dejan de ser productos, en este caso, audiovisuales. Hace unos siete años, cuando Youtube no existía, y las redes sociales aún no habían despegado, todos aquellos que querían producir televisión estaban muy limitados a los medios convencionales.

En media década el panorama cambió y revolucionó al mundo entero, incluido el sector publicitario desde el punto de vista de la producción de contenido. Ahora cualquiera puede tener un canal de televisión en HD y crear mejores contenidos que los que podemos encontrar en medios tradicionales como la pequeña pantalla. Y aquí entra en juego esa palabra llamada branded content. Hoy vamos a explicar lo que es, aplicado al sector audiovisual y analizaremos de qué forma estos nuevos contenidos han llegado a competir con los tradicionales.

¿Es un patrocinio? ¿Es un spot? No, es la serie de una marca

Lo que ves arriba es ‘Días de Shopping‘, una serie producida por Citroën, por y para su audiencia. Producida, que no patrocinada. El branded content consiste en crear contenido en torno a los valores de una marca para la audiencia de la misma, de tal forma que el contenido resulte práctico, relevante y sea la marca la que habla a su audiencia de una forma no intrusiva no solo sobre sus productos, si no sobre los valores y el estilo que una marca quiere transmitir.

Es una tendencia, que explicada brevemente, surge de una etapa postpublicitaria como la que vivimos en la actualidad, en la que la publicidad convencional va perdiendo efectividad, la evitamos a toda costa, bien porque no nos interesa, bien porque nos resulta molesta o no nos cuenta cosas de nuestro interés. En este caso, las marcas crean solo el contenido que consideran relevante para su audiencia y a través de él, comunican su propuesta de valor.

Por otra parte, esta tendencia es posible también día de hoy por lo que yo denomino la “democratización televisiva“ y la reducción de los costes de transmisión, cobertura y plataforma que ofrece internet. Actualmente con YouTube y unos medios técnicos razonables es posible construirse un programa de televisión si se tienen buenas ideas y una dosis de creatividad. Hace 10 años, únicamente podían hacer televisión aquellos que se llamaran Telecinco o Antena 3 (o cualquier cadena de renombre) y productoras con altos presupuestos con espacio radioeléctrico en los repetidores de nuestro país.

¿Es el futuro de la televisión? No, otra opción más

Hablamos del presente. Y de nuevo, no. Ni las webseries, ni el branded content vienen a sustituir a la televisión convencional. Las webseries generadas por marcas tendrán un nuevo hueco en nuestro consumo audiovisual, y es posible que nos interesen o no. Las marcas nos contarán historias (en el caso de este vídeo, ‘Are you APP?’, la webserie de Movistar) que nos engancharán si nos resultan relevantes o nos aportan algún valor. En caso contrario, estaremos ante contenidos efímeros.

Piensa en tres de tus marcas favoritas, de cualquier cosa. Si cada una de ellas tuviese un canal de televisión… ¿cuál sería su parrilla de programas? ¿Qué te gustaría ver en ella? ¿Contarían historias? ¿Te enseñarían cosas? ¿Te mantendrían entretenido durante un rato y ya está? ¿Qué les pedirías? Al igual que los espectadores de televisión les pedimos a las cadenas que nos traten con respeto y produzcan contenidos de nuestro interés, las marcas de consumo quieren entrar en este terreno audiovisual como si fueran cadenas de televisión.

El reto para las nuevas producciones

El reto que tienen las nuevas producciones de branded content es aprender a hacer un tipo de televisión adaptada a este nuevo formato. Deben saber responder las necesidades y gustos de la audiencia a la que se dirigen, mucho más particular que la audiencia televisiva, generalmente por su carácter de nicho. Deben escuchar a sus espectadores, por emitir en un medio que por naturaleza es bidireccional. Pero sobre todo, deben aprender a ser coherentes con sus propuestas de valor desde las realidades de producto. En televisión, si pensamos en nuestra percepción de AMC o Canal+ por las cosas que hacen desde siempre, seguro que se nos viene a la cabeza:

Series de gran calidad, producciones impecables (‘Crematorio’, ‘Mad Men’). Historias que impactan (‘Breaking Bad’, ‘The Walking Dead’).

Y seguramente ‘Ringer‘ no tendría sentido alguno en ninguna de estas dos cadenas, ¿verdad? En este nuevo terreno de las webseries que nacen del branded content ocurre igual. No todas las marcas tienen por qué contar historias de ficción, ser graciosas o inventarse mundos nuevos que no resulten relevantes para sus clientes o no cumplan con sus realidades de producto. No tendrían coherencia y por lo tanto, no tendrían éxito al no aportar nada de valor.

Por ejemplo, en ZARA parecen decantarse por el storytelling (la narración de historias), elaborando documentales como este:

¿Es esto una nueva tendencia? ¿Ha venido para quedarse o es una moda pasajera? No lo sabemos, el tiempo dirá. Pero ahora tenemos una oferta de contenido más amplia y aún más temática según nuestros intereses, que podríamos calificarla de publicidad, pero nos resulta de interés porque nos aporta un valor a nuestro consumo.

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Smart TV, HbbTV y cualquier invento que no sea una web clara y sencilla en la que el espectador encuentre los programas y series de televisión íntegros y sin complicaciones, en nuestro mercado español tiene muy cuestionado su éxito, en mi opinión. HbbTV es un invento que nació muerto, atrasado en el tiempo (¿cuántos amigos conoces que utilicen alguna aplicación HbbTV en casa de forma regular?) y Smart TV, aunque es una propuesta interesante, no acaba de asentar un uso masivo por diferentes razones.

No obstante, la duda que plantea este artículo es si Smart TV, en un hipotético caso de uso masivo, es un sistema capaz de ofrecer una métrica analítica de televisión con capacidad de competir frente a los audímetros convencionales (la muestra actual es de 4.650 hogares, según Kantar Media). La realidad no es si un sistema propietario va a batir a otro en temas de medición… necesitamos todos los sistemas para conocer al espectador.

¿Qué dato es más interesante en una métrica de televisión?

Las métricas de audiencia son muy complejas. El dato que tradicionalmente más nos ha importado son el share y el rating. Son datos de tendencia totales sobre gente que ha visto un programa frente a otros y cantidad de espectadores que estaban viendo la televisión en un momento determinado de consumo. Estas métricas no son exactas, y tampoco han pretendido serlo nunca. Únicamente marcan la tendencia masiva de consumo televisivo, sobre la cual los anunciantes y agencias pueden decidir el emplazamiento de sus campañas publicitarias a fin de conseguir una mayor efectividad.

Para conseguir efectividad, lo mejor es acertar o máximo posible al público que está interesado en ti, tanto en disposición publicitaria de nuestro interés como contenidos también afines a nuestros gustos. Para ello, lo más importante es conocer al público. Con los avances tecnológicos de la última década, hay herramientas que van permitiendo conocer más nuestros gustos, pudiendo mejorar muchísimo más esta efectividad. Facebook y Google, por ejemplo, conocen perfectamente nuestros perfiles y seguro que si ves la publicidad que aparece en los laterales, algo te ha interesado alguna vez o ha llamado tu atención. Eso es un tipo de efectividad (publicitaria en este caso).

Llegados a un modelo en el que el consumo televisivo puede venir por distintos medios y canales: televisión lineal, Boxee Box (o cualquier disco duro o DVR que conecte a la tele), un TiVo, la métrica se complica, y el perfil de usuario también. Por lo tanto, la tendencia general medida por los audímetros comenzó a ser cuestionada con la segmentación de las audiencias hace ya más de 5 años. Y puede que lo sea cada vez más.

¿Qué datos podría obtener Smart TV?

Smart TV como sistema podría haber abierto una línea de negocio analítica, pero para ello necesita masa crítica, es decir, un número suficiente de gente que actue de muestra interesante para una métrica global. A día de hoy, desconozco si Smart TV ofrece estos servicios o tiene capacidad de realizar estas métricas, pero lo interesante del sistema sería que pudiese ofrecer todos los datos posibles del consumo de un programa: a través de qué aplicación, minuto a minuto, gustos frecuentes del espectador, datos demográficos y sociográficos… una información que dificilmente le contamos de forma voluntaria al televisor, pero que un sistema puede adivinar por otras fuentes.

Y es aquí donde vienen los sistemas de hibridación e integración de métricas. Con un consumo segmentado, heterogéneo, multicanal, multidispositivo y atemporal marcado por una masa critica de espectadores cada vez mayor, la industria tendrá la necesidad de encontrar un sistema capaz de unir métricas de distintos campos: audímetros convencionales, televisión social (actividad en Facebook y Twitter), actividad y comportamiento del espectador en YouTube, DVR’s, PVR’s y mobile.

Todos estos datos conseguirán una tendencia más perfilada, probablemente nunca un número exacto de visionados, pero sobre todo se acercarán más a los gustos, actividades y patrones de comportamiento de los distintos grupos de espectadores que conforman la masa crítica del consumo televisivo actual, pudiendo ofrecer a la industria una mayor efectividad, tanto en creación de contenido como publicitaria. Por lo tanto, Smart TV simplemente podría ser una pieza más del complejo engranaje de métricas de televisión al que evolucionamos como consumidores.

En ¡Vaya Tele! | “La medición de audiencias tendrá nuevas métricas y las conversaciones en redes sociales”

Noticias que aparecen en todos los informativos… Temas que rellenan huecos pero que realmente no son relevantes… Noticias que todos nos preguntamos si realmente deberían ser noticias… Seguro que alguna de estas situaciones te suena cuando te has puesto delante de un informativo. Programas tan básicos en una cadena de televisión como necesarios, pero ¿quién hay detrás de ellos?

Además de todo el personal técnico, de los cuales hemos hablado de algunos de ellos como el realizador o el productor, hay una figura clave en este tipo de programas: el Editor de informativos. Hoy en la serie Quién es quién en televisión nos vamos a centrar en él como profesional y veremos qué función desempeña en la pequeña pantalla.

Editor = Director del informativo

En televisión la palabra editor puede referirse a varias cosas: desde la persona que monta un vídeo hasta el responsable de los contenidos de un programa. En este caso nos quedaremos con el último significado. El Editor de informativos es las persona responsable de seleccionar las noticias que aparecen en un informativo y las que no aparecen.

Digamos que sería el equivalente al director de programa en un informativo, pero con nociones puramente periodísticas (todos los editores de informativos suelen ser periodistas) y elaboran la selección de noticias según la ideología de la cadena. Es una persona muy en línea con la televisión para la que trabaja y está en comunicación constante con el presentador a través del pinganillo.

Os lanzo una pregunta, en el caso de ‘The Newsroom’… ¿quién sería el Editor?

Deciden el orden de las noticias

Están presentes en todas las reuniones de informativos. Primero se elabora la escaleta de forma conjunta con los redactores y él decide las noticias que se van a dar y en que orden. Durante el directo, es posible que el editor cambie el orden de las noticias, introduzca una última hora o decida darle más tiempo a una noticia que a otra.

Es normal que se caigan noticias que se han estado elaborando durante la mañana o la tarde y en cuestión de horas hayan pasado a ser irrelevantes, teniendo que ceder su espacio a otras. Aquí entra mucho en juego la ética de cadena y el valor periodístico del informativo que se está elaborando, aunque como siempre en la televisión convencional hay que conciliar todo esto con algo para asegurarse las lentejas: las audiencias.

En ¡Vaya Tele! | Quién es quién en televisión

Como ya os contamos, ‘American Horror Story‘ ha vuelto más fuerte que nunca en una segunda temporada tétrica, oscura y que pretende crear más tensión que la anterior. Jessica Lange se ha convertido en el engranaje principal de la serie y pese a encarnar otro papel diferente es capaz de mantener algo que te atrae a la pantalla como si de un imán se tratara.

‘Asylum‘ es más terror, aunque no cuenta nada nuevo en el género. Pero una de las claves por las que la serie se ha hecho tan famosa es por su ejecución técnica, impecable y terrorífica a partes iguales, que tiene mucho que disfrutar y analizar. Hoy nos paramos brevemente para ver las claves por las que lo están consiguiendo en esta temporada.

Los efectos subliminales en los títulos de crédito

Es un acierto mantener la misma sintonía de cabecera tanto en la primera como en la segunda temporada. Da pánico y la tipografía no ayuda a la sensación de tranquilidad. Mejor. Más fotogramas que no vemos, escenas sexuales, objetos punzantes, muerte y cualquier imaginario del terror gore entran en nuestra cabeza sin que nos demos cuenta en cada secuencia de títulos de crédito que vemos en serie. En esta segunda temporada, los títulos de crédito han vuelto con más potencia aún que en la primera, un handicap que ya era casi imposible de superar.

Terror psicológico en la sala de montaje

Uno de los grandes aciertos de la serie viene por sus realizadores. Hay que conocer muy bien las normas para saltárselas y que la crítica premie la decisión, ya que el resultado puede ser francamente nefasto. No es el caso de ‘American Horror Story’ en el que cada escena de verdadero terror viene anticipada por unos constantes saltos de eje gratamente medidos y planificados que inquietan y desorientan al espectador, pero que al mismo tiempo garantiza una unión perfecta con las tramas de la serie.

La iluminación de cada escena

La iluminación es clave en cualquier ficción. Puede decir tanto como el propio personaje o trama en la que la secuencia esté inmersa. La casa de la primera temporada era de Disney comparada con el manicomio en el que se desarrolla ‘Asylum’, de igual manera que Constance y la Hermana Jude. Esta temporada es más tétrica, tenebrosa y oscura, mucho más que la primera. Todo es gris, oscuro y no existe la luz del sol.

Una visión diferente del pasado

‘Asylum’ ofrece una visión diferente de los felices y representados años 60. Por una parte crea la sensación de incomunicación propia de aquella época, y por otra genera el imaginario adecuado para que las tramas puedan vestirse de un tétrico catolicismo que tiene la promesa de curar pero realmente lo que viene a traer es un pequeño trozo de infierno a la tierra.

En ¡Vaya Tele! | ‘American Horror Story: Asylum’, diferente escenario, misma esencia

Escaleta es una de esas palabras raras televisivas que seguramente has escuchado en más de un lugar. Existe también en cine, en series de ficción, en informativos y programas de todo tipo. Básicamente, consiste en una tabla que estructura el esqueleto de un programa desde el inicio hasta su final. La escaleta determina el orden de las secciones, de los vídeos, las noticias y refleja dónde van situados los cortes de publicidad (en el caso de que los hubiera).

Hay escaletas de todo tipo, desde las básicas que marcan la hora de comienzo de una sección, el timing de la misma y el nombre, hasta las que van detalladas por colores y están hechas con todo lujo de detalles. De todo el proceso de puesta en marcha de un programa, el elemento clave es sin duda la escaleta: un punto de encuentro común en el que todo el equipo se puede situar de forma global para coordinar sus tareas.

La escaleta en una serie de ficción

En televisión en directo, pueden existir muchas escaletas diferentes. Por ejemplo, cada una correspondiente a una sección concreta de un programa: actualidad, sección médica, sección de cocina… son pequeñas escisiones de la escaleta general, que resume todo el programa. Normalmente esto es así, porque un programa en directo se construye sobre el mismo día de emisión, y sus contenidos se van cerrando en escaleta en cuanto van siendo elaborados.

En ficción es diferente. Mientras que en el caso anterior hablábamos de una cuestión de horas (dos, tres…), en el proceso de creación de una serie podemos contar con varios días. La escaleta ea también muy diferente: en ella se resume lo que va a ocurrir en cada capítulo de una serie según una estructura clásica: introducción, nudo y desenlace.

De esta forma, la escaleta general ofrece al grupo de guionistas una visión global de la estructura de su capítulo, y gracias a ella se pueden repartir y estructurar las tramas que van cerrando los minutos de episodio. Luego puede haber distintas escaletas, como la de personajes, que muestra la evolución de un personaje a través de la trama de un episodio participe o no en ella, pero esas son cuestiones de guión más avanzadas.

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